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¿Qué es la verdad? 

La verdad es un solo de Charlie Parker.

Charles Christopher Parker, Jr. 

Kansas City, 29 de agosto de 1920 - Nueva York, 12 de marzo de 1955

Avishai Cohen * Adama

1970.

Naces en la ciudad de Jerusalén, en Israel, ciudad milenaria de cultura y violencia, te trasladas a Missouri (US) a los nueve años y estudias piano hasta que un día enciendes la radio y escuchas el bajo de Jaco Pastorius, te estremece, y decides que ese instrumento será tu herramienta para comunicarte. 

Como estás en Estados Unidos debes de cumplir con el servicio militar obligatorio pero eres músico y tocas en la banda del ejercito durante un par de años. 

Te licencias y continuas en la música como autodidácta, algo que denota pasión por que aprender por uno mismo es difícil y duro, pero eres listo y como tienes la oportunidad de regresar a Israel y cumplimentar el formulario para matricularte en la 'Music & Art Academy' lo haces, y recibes clases de un magnífico profesor (Michael Klinghoffer) que 'abre el telón' a la música clásica, aprendes un montón de cosas pero decides volver a Nueva York porque eres un músico de jazz y hay que vivir lo que eso significa, palpar el ambiente, los clubs de jazz, los pequeños escenarios, el neón de las madrugadas, y por supuesto tirar adelante, de tu bajo puede que salga unos sonidos geniales pero no un techo, una cama y un frigorífico con zumo de naranja, no todavía, así que compartes tu talento por unos dólares tocando en el metro, en la calle, e incluso abandonas tu instrumento por las herramientas de un albañil. 

Por lo visto en el jazz no hay grandeza sin penuria, pero no importa porque Nueva York es un hervidero de gente, de culturas, de sabores, y eso te ofrece experiencia de vida, conoces a un par de tios geniales, un tal Eddy Palmieri y Danilo Peréz que te enseñan un par de cosas sobre los ritmos y Danilo que en vez de un sonajero le dieron un piano a los 3 años es una máquina de hacer buena música, es apreciado y conoce a un montón de gente igual de buena que anda por la escena musical contemporánea, tu meta, tienes "suerte" porque reconoce tu talento y te invita a formar parte de su trío. 

Ya estás casi dentro pero esto no acaba aquí, es prácticamente el principio de tu futuro como músico. Pones pasión en lo que haces y eso, claro, se nota y lo notan, tu bajo hace eco de tu nombre. Formas un trio (Avishai Cohen Trio) y una banda de jazz después (International Vamp Band) y que reconocen la calidad de tu música otorgando a tu formación una nominación como mejor conjunto de jazz por la 'Journalist Jazz Association' que por lo visto algo saben de estos temas y rematas el año entrando en la formación de uno de los grandes, Chick Corea, y con esto te han crecido las alas y el volumen de tu bajo y por si fuera poco después de doce álbumes los de Down Beat -publicación legendaria- dicen de ti que eres un "visionario del jazz de proporciones globales" y te declaran como una de las 100 personas más influyentes y de los mejores bajistas del siglo XX por la Bass Player Magazine, que saben un montón sobre tu instrumento y su lenguaje. Genio y Artista.

Avishai Cohen, además, creó su propio sello discográfico junto a su productor Ray Jefford, Razdaz Recordz y Adama es el primer álbum debut de este excelente músico y toda una declaración de principios.

Danilo Peréz.

Panamá fué un punto de entrada a la gran oleada de inmigrantes provenientes de Europa y nexo entre tradiciones indígenas americanas, ibéras y de África Occidental. Mestizaje cultural que alcanzó dimensión músical, la cumbía, el bólero, la salsa, el reggae y calypso entre otros.

Y por esos lares y ritmos nació Danilo Peréz que empezó su carrera músical a los tres años. A los tres. Y a los diez tocaba el piano estudiando el repertorio clásico Europeo en el Conservatorio Nacional de Panamá. Terence Blanchard, Paquito D'Rivera, Arturo Sandoval, Tito Puente, Wayne Shorter, Roy Hanes y Dizzy Gillespie conforman una larga lista de los brillantes músicos con los que tocó dejando claro su calidad como interprete y compositor. Esa fusión del jazz con ritmos latinos es un rasgo distintivo de su obra jalonada de un reconocimiento internacional más allá del plano musical siendo embajador de Buena Voluntad de UNICEF. 

 

Chick Corea.
Otro invitado de lujo. Singular este músico que formado para la música clásica y el jazz y que después de su participación en el genial albúm de Miles Davis 'Bitches Brew' (Columbia Records, 1969) se sintió inspirado por el jazz rock y decidió continuar una carrera en solitario dentro de ese sonido, su versatilidad y talento le permitió fusionar el jazz y la bossa nova con un estilo característico y atrevido. Duos de piano con otros dos monstruos del teclado, Keith Jarret y Herbie Hancock, explayandose con Gary Peacock y Michael Brecker en un jazz europeo y para volver después al sonido eléctrico junto a la 'Akoustic Band'. Un explorador y un referente del jazz contemporáneo.

Amos Hoffman © Guy Van de Poel

Aunque los todos los integrantes del grupo realizan un excelente trabajo necesito hacer mención especial al guitarrista del grupo, Amos Hoffman (laúd y guitarra), que realiza un trabajo magnífico en el álbum, ha grabado dos trabajos para el sello discográfico Razdaz Recordz, con un estilo sugerente combinando estilos musicales distintos en los temas que componen su trabajo, (opinión basada en su primer trabajo 'Carving'.)

De Roma, Antwerp February 2010

©eloyimpressions

Cómo estableces el criterio para elegir a los músicos con los que tocas?

Los músicos con los que toco deben ser muy buenos, sobretodo tener un sentido del ritmo muy desarrollado. Y por supuesto que armónicamente y melódicamente también, pero para mí la parte rítmica es esencial. Es la mayor forma de alerta e hiper-sensibilidad para comunicarse dentro del lenguaje de la música. Por supuesto que está relacionado con el ritmo armónico y con la melodía. Pero es todo parte de lo mismo: dónde está el beat, el movimiento de las notas, es el modo más intenso de comunicación. Los músicos deben ser muy sensibles y capaces a nivel rítmico. Y también deben ser, ante todo, buenas personas. Gente con la que se pueda pasar momentos divertidos, generosas, consideradas... 
[Entrevista de O.Bugni y Marius Mc Guiness. 11/11/2006 desde http://octavio-piano.blogspot.com.es ]

 

Si reunes en las estanterías una colección de discos de jazz desde Charlie Parker -década de los 40- recorriendo musicalmente los años posteriores hasta este trabajo de Avishai Cohen se hace palpable que la evolución ha alcanzado un punto en el que concepto innato que evoca el jazz, la improvisación se ha mantenido firme pero sin embargo la fusión de lenguajes musicales se han combinado en un concepto más amplio y rico. Si el free jazz surgió por la irrupción de la atonalidad en los años sesenta, el jazz rock por el abandono de la utilización exclusiva de instrumentos acusticos, se ha llegado a ese punto en que se despeja por completo el término fusión

para abordar el jazz desde una óptica musical más amplia. Un sonido que evoca cualquier cultura e instrumento bajo la libertad de expresión de la improvisación.

Impresionante la versión del 'Bésame mucho' con un deslumbrante dialogo entre piano y bajo en el que la batería va cobrando mayor voz formando un trio que lucha por evocar la melodía. 

Esas congas de fondo en 'Gadu' con el bajo de Avishai como introducción al tema hasta que irrumpe los teclados de Corea sucediendole un piano con un musitar de voz que acompaña, es un claro ejemplo de esa nueva adopción de estilo, de libertad a la hora de utilizar cualquier recurso musical, no importa, un piano latino, la cuerda de un laud, el trombón de Steve Davies o la calida voz de Claudia Acuñá en Jasonity. Cualquier recurso musical es valido.

Un álbum que va más allá de su belleza musical. Simplemente genial.

 
AVISHAI COHEN

ADAMA

01. Ora.
02. Madrid.
03. Bass Suite #1.
04. Reunion of the Souls.
05. Dror.
06. No Change,
07. Bass & Bone Fantasy.
08. Adama.
09. Bass Suite #2.
10. Bésame Mucho.
11. Gadu.
12. Jasonity.

Personnel:

Avishai Cohen - Acoustic bass.
Steve Wilson - Sax soprano.
Steve Davis - Trombone.
Jeff Ballard - Drums.
Jason Linder - Piano.
Amos Hoffman - Guitar.

Guest:

Chick Corea - Fender Rhodes.
Brad Mehldau - Piano.
Danilo Pérez - Piano.
Jorge Rossy - Drums.
Don Alias - Congas.
Claudia Acuña - Vocals.

Fecha de Grabación: 17 de Marzo de 1998. Mad Hatter Studios. Los Ángeles.
Sello Discográfico: Stretch Records. SCD-9015-2
Productor: Chick Corea & Avishai Cohen.
Fotografía: Tamar Sella (Front cover) / John Harrell (Back Cover, Booklet)

Charles Mingus * The Black Saint and Sinner Lady

Bob Ghiraldini - Cover

Charles Mingus. La obra de este increíble músico no puede encuadrarse en ningún movimiento estilístico en concreto, podría decirse que su estilo es un genero en sí mismo, su obra una autentica genialidad jalonada de magníficos álbumes entre ellos este 'The black Saint and the Sinner Lady' grabado para Impulse! en Nueva York en 1963 considerado no sólo como el mejor trabajo de su carrera sino una de las más sensacionales obras de Jazz de todos los tiempos.

El talento de Mingus no sólo recae en su virtuosismo como bajista sino también como compositor, director de orquesta  y arreglista imaginativo dotado de una gran creatividad musical.

Charles Mingus nació en 1922 en Nogales (Arizona). Creció en un ambiente familiar estricto y discriminatorio lo que determinó una personalidad acentuadamente antirracista y que condiciono su vida tanto artísticamente como a nivel social y emocional. Su primer contacto musical viene dado por el gospel de la iglesia Holiness Church de Watts y Duke Ellington que se convirtió en su ídolo y ejemplo musical. Antes de decidirse por el contrabajo estudió trombón y cello. También tocaba el piano. Fue pupilo del magnifico contrabajista de la epoca del swing Red Callender, Herman Rheinschagen y Lloyd Rese.

Sus primeras composiciones ponen de manifiesto la creatividad innata de Mingus, a la edad de quince años compuso sus primeros temas dentro de lo que se denominó third-stream, un genero musical de fusión de jazz y música clásica, porteriormente algunas fueron grabadas en 1960 con el director Gunter Schuller y fueron distribuidas con el apelativo de pre-Bird haciendo referencia a Charlie Parker.

Obtuvo su primer trabajo en 1940 con el bateria Lee Young (hermano de Lester Young) y en 1942 realizo grabaciones con Barney Bigard,  Louis Armstrong y Kid Ory. En 1947 se unió a la banda de Lionel Hampton y en 1950  formó parte del trio del vibrafonista  Red Norvo lo que le dio la oportunidad de viajar a Nueva York donde alcanzo fama como solista. Allí mantuvo los primeros contactos con el bebop y conoció a Charlie Parker. También entablo amistad con Miles Davis con el que grabo un par de sesiones dirigidas por Mingus pero nunca fueron editadas, tocaron juntos en la banda de Lucky Thompson en Elk´s Ballroom de los Angeles.

Fundó en 1952 junto a su esposa Celia y Max Roach el sello discográfico Debut con la intención de promover un entorno musical adecuado para no solo producir discos afines al estilo de la época, el bebop, sino también música experimental. Sin duda una de las grabaciones más importantes producidas por Debut fue el concierto en 1953 en el Massey Hall Concert de Toronto considerada no solo una obra de culto sino el canto de cisne del bebop, los integrantes del llamado 'Quinteto del Siglo' no podría ser más espectacular; Charlie Parker al saxo alto, Bud Powell al piano, Dizzy Gillespie a la trompeta, Max Roach a la batería y el propio Mingus en el contrabajo. Efectivamente, no solo se trataba de los mas destacados genios interpretativos y virtuosos de cada instrumento sino de los creadores del bebop, prácticamente la tradición jazzistica posterior parte del trabajo y espíritu de estos cinco hombres.

El Quinteto del Siglo. Toronto, 1953.

A finales de la década de los cincuenta inició su carrera como líder grabando para distintas discográficas lo que sería una discografía magistral: The Colwn (Atlantic, 1957), New Tijuana Moods (RCA, 1957), Mingus Ah Um (Columbia, 1959), Blues & Roots (Rhino, 1959), Mingus at Antibes (Atlantic, 1960), Charles Mingus Present Charlie Mingus (Candid, 1960).

Cabe destacar la colaboración del magnífico Eric Dolphy -al que le unia una gran amistad con Mingus- en algunas de sus grabaciones de gira por Europa en 1964  donde los duetos del bajo de Mingus y el clarinete bajo de Dolphy dejan patente la especial compenetración entre ambos músicos 'ofreciendo algunas de las más fuertes experiencias emotivas de todo el jazz'. (El Jazz. Joachim E. Berendt)

En 1970 graba un excelente disco a trio con nada menos que Duke Ellington y Max Roach, el aclamado ´Money Jungle. (United Artist, 1962 -en la actualidad editado por Blue Note-)

Mingus fué un activista comprometido con la raza negra y denunció los abusos motivados por el racismo de la época. El caracter  de Mingus queda patente en el apelativo con el que fué llamado en alguna ocasión 'el oso enfurecido' valga como ejemplo un extracto de la siguiente entrevista realizada para Jazz Magazine en 1965.

JazzMagazine: ¿No cree usted que esta actitud de la prensa americana afecta a todos los músicos de jazz, incluso a los blancos? Acuérdese del escándalo provocado por el arresto de Getz...

Charles Mingus: No me hable de Stan Getz. Yo sólo quiero ocuparme de los músicos de color que, por falta de libertad, no pueden trabajar donde quieren. Getz gana un millón de dólares en los estudios de grabación. Puede tocar donde le dé la gana mientras que nosotros nos vemos obligados a tocar en pocilgas. Todo esto porque nos denominan músicos de jazz. Cuando usted me clasifica dentro de la categoría de "jazzmen", automáticamente limita mis oportunidades de trabajo. No quiero que mi música sea llamada jazz. ¿Sabe usted lo que quiere decir jazz? En Nueva Orleans, "to jazz your lady" quiere decir "follar a tu chica". No quiero que los críticos apliquen esta palabra a mi música. Que les "jazzen". ¡Mi música es una obra de belleza que no tiene nada que ver con esto! Esta expresión pornográfica no guarda relación con la música, como tampoco con el amor. Cuando me acuesto con una mujer, no la follo, le hago el amor. ¿El coito sin amor, rápido, con una puta? ¡No es para mí! Con mi música ocurre lo mismo. Tiene la belleza de una mujer que abre las piernas. Es verdadero amor, no pornografía.

JazzMagazine: ¿Es por estas razones de terminología que hace unos meses llamó a su música "rotary perception"?

Charles Mingus: Tengo el derecho a llamar a mi música como me dé la gana. Cualquier blanco tiene derecho a hacerlo, ¿porqué yo no? Le repito que no toco jazz. Llámelo "mierda" si le hace ilusión. La "rotary perception" es un tipo de ritmo circular que inventamos mi batería y yo. No os puedo dar una definición. No se explica, se siente. Hemos practicado este estilo en varios clubes: en el Show Place, en el Copa City, por ejemplo. Pero no tuvimos la ocasión de grabar ningún disco que lo ilustre. Actualmente lo hemos abandonado para orientarnos hacia otro tipo de swing.

(Entrevista realizada por Jean Clouzet y Guy Kopelowicz -1965- para © JazzMagazine. http://www.tomajazz.com/perfiles/mingus_1965.htm )

En 1972 publico su autobiografía 'Menos que un perro' donde relata mas que su vida de músico su experiencia vivida por el racismo de su época. Falleció en 1979 como consecuencia de una enfermedad degenerativa muscular. Hoy día es considerado como uno de los músicos más importantes, influyentes y originales de la historia del Jazz.

A lo largo de la carrera musical de Mingus los integrantes de su banda fueron cambiando, entre todos ellos -exceptuando la participación de Eric Dolphy en varios de sus grabaciones y actuaciones en directo- Dannie Richmond y Jaki Byard  son los músicos que más participaron en las diferentes bandas que constituyó el bajista para la grabación de sus trabajos.

Dannie Richmond. Bologna, 1964 (Roberto Polillo | © Jazz In PhOto)

Dannie Richmond (1931, New York) inicio su carrera en la banda de Paul Williams tocando R&B, conoció a Charles Mingus en 1956 y exceptuando alguna participación como con el fantástico trompetista Chet Baker y varios trabajos con George Adams y Don Pullen y músicos como Elton John o Joe Cocker puede decirse que su carrera musical se desarrolla integramente con Charles Mingus, ya que este batería fué el único integrante de la banda que mantuvo Mingus a lo largo de 21 años, desde el bebop al freejazz.

Richmond se convirtió en el pilar de las formaciones de Mingus logrando un gran compenetración con el bajista. Un bateria  versatil y con una gran técnica. Tras la muerte de Mingus Richmond formó un grupo en 1980 denominado 'Mingus Dinasty'  integrado por exmúsicos que trabajaron con el genial bajista.



Jaki Byard  | Cockie Donkers

Jaki Byard (1922, Worcester. Massachusetts) a parte del piano también tocaba el saxo, el trombón, la trompeta, el violín, el contrabajo y la guitarra además de ser un excelente compositor y arreglista. Inicio su carrera como trompetista en 1938, trabajó con Kennny Clarke y Ernie Washington como arreglista y trombonista. Toca con Earl Bostic y aprende a tocar el saxo alto tocando durante un tiempo con Sam Rivers. A finales de la década de los 50 se integra en la banda de Maynard Ferguson donde alcanza notoriedad. Colabora en la banda de Mingus junto con Eric Dolphy en varios magníficos álbumes  Forma su propio grupo, 'The Jaki Byard Experience' donde se incorpora el multiinstrumentalista Roland Kirk. Se dedicó también a la docencia en el 'Conservatorio de Nueva Inglaterra', en el 'Manhattan School of Music' y en la 'New School of music'.

(...) La música es capaz, casi por sí sola, de hacer vivir a la gente. Te puede volver feliz, hacerte llorar, amar y hasta matar. Pero para llegar a este resultado hay que llevar al cuerpo al nivel de la música. Por mi parte, trabajo con mi batería casi en un estado de hipnosis. Cuando tocamos juntos, estamos verdaderamente en estado de trance. En cuanto empiezo a tocar con Dannie Richmond, estoy seguro de que va a pasar algo. Es fantástico sentir que está sintiendo al mismo tiempo que yo las mismas cosas. 
(Entrevista realizada por Jean Clouzet y Guy Kopelowicz a Charles Mingus para © JazzMagazine en 1965.)

Charles Mingus
The Black Saint And Sinner Lady


01. Solo Dancer  "Stop! Look! and Listen, Sinner Jim Whitney!"
02. Duet Solo Dancers "Hearts’ Beat and Shades in Physical Embraces"

03. Group Dancers  "(Soul Fusion) Freewoman and Oh, This Freedom’s Slave Cries"

04. Trio and Group Dancers ”Stop! Look! and Sing Songs of Revolutions!"
05. Single Solos and Group Dance ”Saint and Sinner Join in Merriment on Battle Front"
06. Group and Solo Dance ”Of Love, Pain, and Passioned Revolt, then Farewell, My Beloved, ’til It’s Freedom  Day"


Personnel:
Charles Mingus – bass, piano, composer
Jerome Richardson – soprano and baritone saxophone, flute
Charlie Mariano – alto saxophone
Dick Hafer – tenor saxophone, flute
Rolf Ericson – trumpet
Richard Williams – trumpet
Quentin Jackson – trombone
Don Butterfield – tuba, contrabass trombone
Jaki Byard – piano
Jay Berliner – acoustic guitar
Dannie Richmond – drums

Fecha de Grabación: 20 de Enero de 1963, New York
Sello Discográfico: Impulse!
Productor: Bob Thiele
Ingeneniero de sonido: Bob Simpson
Fotografía: Bob Ghiraldini (cover and liner photos)
Artwork (liner design): Joe Lebow

,,,sin título previo (I)

No hago películas para que sean bellas, hago películas para que sean útiles. 

(Roberto Rossellini. Roma, 1906)

Un crítico de jazz "sentenció" con respecto a la grabación de John Coltrane 'Ascension´ (Impulse, 1965) que la única forma de defenderse ante tal grabación era el no escucharla, no obstante la valoración de otros críticos es precisamente lo contrario, una obra exuberante de energía y de creatividad, una obra que abre caminos.

El free jazz ya había sido objeto de opiniones intransigentes, ¿pero hasta que punto la calidad de una obra debe basarse en la belleza -lírica-, en la simetria y en los canones preestablecidos?.  Obras como Ascension, Meditations (Impulse, 1965), Out to lunch! (Eric Dolphy. Blue Note, 1964), The Shape of Jazz to Come (Ornette Coleman. Atlantic, 1950) elevadas a la categoria de monumentos son incomprendidas y rebajadas por otros.

Y si la belleza supera el umbral de la mera percepción estética para convertirse 

en un instrumento donde opera el valor, la libertad, el ansía de experimentación donde el valor cualitativo de la obra reside en esas causas, en la motivación y en sus posteriores influencias, quedando la lírica como un sustrato de algo más elevado cuyo producto es un nuevo paradigma creativo.

Quizás sea una cuestión de perspectiva o simplemente de sensibilidad.

[~DiXiT~]

A finales de la década, el free jazz ya no es el motor de la evolución del jazz, y se abren caminos, sin duda deudores de él, pero diferentes: el jazz fusión, especialmente el jazz rock; las experiencias europeas asociadas al sello ECM; el jazz étnico … En todos ellos, en cualquier caso, se mantienen elementos aportados por el free jazz: recursos atonales, ritmos globales, improvisación colectiva (...) Joachim E. Berendt. El Jazz.

En su sentido más profundo, la belleza puede engendrarse a partir de una experiencia de reflexión positiva sobre el significado de la propia existencia. (Wikipedia)

A LAS PUERTAS DEL FREE: MILES SMILES * MILES DAVIS QUINTET

Cover Photography - Vernon Smith

Mencionar a Miles Davis es hablar de cincuenta años de historia del Jazz. O dicho de otro modo, no es posible explicar la historia del Jazz sin mencionar a Miles Davis.

Aunque estas frases introductorias pueden considerarse una fórmula un tanto manida e incluso pretenciosa es mi intención acercarme más a la certeza que a la originalidad y teniendo entre manos cualquier obra de este compositor y trompetista es de justicia ceñirse a la realidad, que no es otra sino la propia historia del Jazz y como testigo de ello las innumerables obras maestras que grabo. Y una de ellas sin lugar a dudas este Miles Smiles grabado en 1966 en New York para la Columbia Records.

Miles Smiles es el segundo álbum de los cuatro que grabo con su segundo gran quinteto. Éstos cuatro trabajos (Nefertiti -1968-, Sorcerer -1967-, Miles Smiles -1966- y E.S.P. -1965- todos para Columbia Records) significaron, el adiós definitivo de Miles Davis al Jazz 'clásico'   si atendemos por ello a la selección con respecto a los instrumentos ya que inmediatamente  después de Nefertiti -otro exuberante trabajo- estrenara con el álbum Miles in the Sky instrumentos eléctricos como el piano, la guitarra (George Benson) y el bajo iniciando un nuevo periodo que culminará con uno de sus obras más aclamadas In a silent way (Columbia, 1969) considerada como el disco que creo el jazz-rock.

Miles Davis [Herman Leonard Collection]

Miles Davis fue un músico contemporáneo, de su época, no dado a ese sentimentalismo que hace mirar atrás y recrearse en lo ya realizado, atento al presente e impulsado por una gran vitalidad y afán de éxito marco la pauta a seguir en el Jazz que se hacía en el momento, despuntando siempre por la calidad de sus trabajos, por supuesto, no estaba solo, y las formaciones, los elegidos por decirlo de alguna forma eran minuciosamente seleccionados, no solo por sus dotes como músicos, sino por la personalidad y estilo que cada uno de ellos podía imprimir en el sonido global del grupo, Miles Davis era un visionario en cierto modo y prueba de ello el comentario de un crítico que hizo sobre Miles con respecto a John Coltrane "Miles hizó tres cosas buenas por Coltrane, le contrato, le despidió y le regalo un saxo soprano" el saxo soprano no era entonces un instrumento típico como instrumento solista, sin embargo, conociendo las inquietudes musicales de Coltrane, y como si supiera de antemano las consecuencias, el sonido y el registro de ese nuevo instrumento represento un nuevo esquema para esa búsqueda de expresividad tan arraigada y necesaria para el saxofonista, de hecho, en sus trabajos posteriores  siempre reservaba un tema para ese instrumento en cada uno de sus trabajos, a excepción de su emblemático álbum 'A Love Supreme' (Impulse, 1964). Anécdota que esclarece la aguda  percepción del trompetista con respecto a la inquietud musical -en este caso sobre John Coltrane- y los integrantes de su grupo. No en vano Miles Davis conformo con este quinteto el modelo a seguir para los quintetos acústicos de los setenta y para las formaciones mas clásicas en la década de los ochenta.

Wayne Shorter

Wayne Shorter. Gran compositor e interprete que inicio su carrera en la segunda mitad del siglo XX. Saxo tenor de gran influencia e importancia inicio su carrera con Maynard Ferguson y se incorporó después a los Jazz Messengers de Art Blakey como solista y arreglista donde llego a ser el director músical hasta 1964, a finales de ese año se incorporó al quinteto de Miles Davis donde permanecio hasta 1970, en 1971 formo junto con el pianista Joe Zawinul el grupo Wheater Report que permaneció en activo hasta 1986. Actualmente es una de las pocas leyendas en activo y su contribución al jazz moderno está fuera  de dudas siendo uno de los compositores más prolíficos, solo en este  álbum compuso tres de los seis temas que lo componen, con Miles Davis participo en once trabajos y como líder veintiuno entre los cuales verdaderas obras de culto como su celebérrimo Speak No Evil grabado en 1964 para Blue Note con unos acompañantes de lujo Freddie Hubbard a la trompeta, Herbie Hancock al piano, Ron Carter al bajo y Elvin Jones a la batería. Su calidad como interprete es igualada con la de compositor, a su cargo figuran composiciones modales como Footprints, Nefertiti y Masqualero entre otras practicamente estándars. Como interprete decía Miles Davis: "Wayne cuenta historias estupendas" (El Jazz. Joachim E. Berendt)

Herbie Hancock

Herbie Hancock. Pianista fuera de serie que lo dejo claro desde una edad bastante temprana, a los once años interpretó el primer movimiento de un concierto para piano de Mozart en la orquesta Sinfónica de Chicago. Oscar Peterson y el gran Bill Evans fueron los pianistas que escucho durante sus estudios en el Grinnell College y que de alguna manera le iniciaron en el piano de jazz. 
Hancock se dio a conocer en este quinteto y su contribución en cada uno de los trabajos realizados es más que brillante y significativo, firmo un contrato con Blue Note para la cual grabo su álbum debut Takin' Off (1962) junto a Freddie Hubbard, Dexter Gordon, Butch Warren y Billy Higgins que fue un éxito en ventas y de crítica. Abandono a Miles Davis en 1968 y su carrera, si bien no abandono nunca el gusto por el jazz acústico, se inicio en la fusión del jazz con el funk abandonando el piano por instrumentos eléctricos como sintetizadores, organos y clavinet resultando una música más comercial que le llevo a cosechar  superventas como el tema rock it (1983), no obstante en el New Port Jazz Festival de 1976 se reunió con los antiguos integrantes del quinteto de Miles Davis con Freddie Hubbard a la trompeta y decidieron irse de gira con esta formación V.S.O.P. que fue un rotundo éxito y que situó definitivamente a Hancock como uno de los grandes pianistas, dicha formación se reunía esporádicamente hasta 1992. En 1986 obtuvo el Óscar por su participación en la película de Bertrand Tavernier 'Round Midnight'.

En el segundo tema del disco 'Circle' Hancock pone de manifiesto la delicadeza y la compenetración con la sección rítmica, un discurso precioso y emotivo cuyo relevo por la trompeta de Davis  hace perder la mirada y dejarse llevar por sentimentalismos. 

Ron Carter

Ron Carter es posiblemente el contrabajista más grabado con aproximadamente unos dos mil álbumes, como sideman y como líder. Imparte clases de  Improvisación en el City College de Nueva York y es un aclamado chelista. Un músico dotado de una técnica extraordinaria con un swing arraigado en su estilo es quizás su característica más notoria. Aparte de su participación en el quinteto V.S.O.P. cabe destacar el trio formado por H.Hancock y T. Williams  y el magnífico cuarteto junto a Sonny Rollins, al saxo, McCoy Tyner al piano y Al Foster a la batería,  convirtiéndose esta formación en una de las más prolíficas de las últimas décadas.
Fue galardonado en 1993 con un Grammy por el Mejor Grupo Instrumental de Jazz y en 1998 por su participación en la banda sonora del film ya mencionado 'Round Midnight'. En activo en la actualidad es considerado como uno de los mejores contrabajistas  en la escena musical actual.

Tony Williams

 Tony Williams salto a la fama gracias a su intervención en este quinteto, con tan sólo diecisiete años fue invitado por el propio Miles Davis para que participara en el álbum 'Seven Steps to Heaven' (Columbia Records, 1967) formando junto con Hancock y Carter una sección rítmica perfecta. Participo en tres grabaciones míticas 'Out To Lunch' (Blue Note, 1964) de Eric Dolphy, 'Maiden Voyage' (Bluen Note, 1965) de  Herbie Hancock y el celeberrimo 'In A Silent Way' de Miles Davis (Columbia Records, 1969) éste último determino el camino musical a seguir por Williams y abandono el quinteto para liderar su propia formación junto al guitarrista John McLaughlin y el organo Hammond de Larry Young, agrupación que se llamo Lifetime y que fue unos de los primeros grupos en desarrollar jazz de fusión o jazz-rock. Tony Williams fue un batería con un talento excepcional, maestro de la polirritmia (#1) y un virtuoso del instrumento dotado de una gran creatividad y un explorador nato que le llevo a experimentar allí donde sus inquietudes musicales le inspiraran. “Sólo existe un Tony cuando se trata de tocar la batería. Nunca hubo nadie como él antes, ni lo ha habido después. Es el perfecto hijo de puta”, dijo el trompeta sobre el músico que contrató cuando aún no había cumplido los 18 años.

Aunque el free Jazz siempre es un tema aparte dentro de la evolución del Jazz, en cierto modo he de agradecer el hecho de que Miles Davis se quedará a las puertas, manteniendo la libertad que ofrece el jazz modal sin entrar de lleno en las estridencias del free, gracias a eso se puede palpar en estos seis temas  esa libertad contenida pero con un grado de expresividad ilimitado.

Sin lugar a dudas, a mi parecer, la genialidad aportada por el batería Tony Williams destaca sobre la participación de los demas integrantes del quinteto. Lo que hace este hombre en el disco, como diría Juan Claudio Cifuentes, "no está en los libros", su participación es un continuo solo, brillante, enérgico, los soportes de los platillos hacen un duro trabajo, el ritmo es prácticamente marcado por un continuo 'repique' de platos, otorgando una sonoridad y ritmo vertiginoso compenetrado a la perfección con un Ron Carter  impecable, que sirva como ejemplo el tema Gingerbread Boy en el que ademas el solo de Wayne Shorter es impresionante, sin lugar a dudas una verdadera lección de maestría y de virtuosismo. En definitiva la sección rítmica dada la calidad de los interpretes y como no podía ser de otra manera, es perfecta, convirtiéndose de alguna forma en la instrumentación solista del disco, característica que me atrevería a afirmar que se mantiene en las cuatro grabaciones del quinteto con menor o mayor notoriedad. 
A pesar de que la tendencia de Miles Davis ha sido la de fijar su atención en el presente y en todo caso a la tendencia musical contemporánea de su época para los sentimentales siempre es placentero encontrar una 'reseña' del pasado en su último trabajo, me refiero por ejemplo al segundo tema del disco 'Circle' el tema más lento, si bien el sonido de  su trompeta apagada expresa como siempre ese sentimiento de soledad aquí se hace mas notorio recordando a sus trabajos con el primero de sus quintetos. Jazz en estado puro, que representa el espíritu la categoría y la elegancia de este género musical. Absolutamente brillante.

MILES SMILES / MILES DAVIS QUINTET

01. Orbits.

02. Circle.

03. Footprints.

04. Dolores.

05. Freedom Jazz Dance. (#2)

06. GingerBread Boy.

PERSONNEL: Miles Davis (Trompeta) Wayne Shorter (Saxo Tenor) Herbie Hancock (Piano) Ron Carter (Doble Bajo) Tony Williams (Batería)

Grabación: 24 y 25 de Octubre de 1966, New York.

Sello: Columbia  [CK 65682]

Producción: Teo Macero

(#1) Polirritmia. sistema rítmico en el que, sobre un mismo sistema de medida (es decir, sobre un esquema de compases permanente) se utilizan acentuaciones rítmicas diferentes, combinadas y/o superpuestas para las distintas voces. [Alfons M. Dauer. Wikipedia]

(#2) Freedom Jazz Dance, ha dado nombre a una conocida saga de compilaciones del sello Ishtar.

DIXIT: Wynton Marsalis

Wynton Marsalis Lincoln Center 1995 [Foto: Frank Stewart]

Wynton Learson Marsalis.
Nueva Orleans. Luisiana. EEUU
18 de Octubre de 1961.
Trompetista, Compositor y Arreglista.
Premio Pulitzer 1997

A los seis años consiguió su primera trompeta. Recuerda: "Miles Davis, Clark Terry, Al Hirt y mi padre estaban sentados a una misma mesa en el club de Al en Nueva Orleans... Mi padre bromeaba acerca de que estuvieran reunidos ahí tantos trompetistas famosos, y dijo: "Más vale que le compre a Wynton una trompeta". A lo cual tercio Al: "Ellis déjame que le dé a tu chamaco una de las mias". Y Miles agregó: "No se la des. Aprender la trompeta será demasiado difícil  para él." Quince años después, en la encuesta efectuada en 1982 entre los lectores  de la revista Down Beat, pareció ironía del destino que no fuera Miles Davis, con su grandioso retorno del año anterior, el escogido por los lectores como músico de jazz del año, sino Wynton Marsalis, y lo mismo ocurrió en las categorías de "El Álbum de Jazz del Año" y "Trompeta." [El Jazz. Joachim E. Berendt.]

Como dato curioso merece la pena comentar la trompeta de Marsalis. Se trata del modelo Raja (decorated) del prestigioso fabricante Monette, su elaboración completamente artesanal se completa en este caso con una decoración personalizada cuyos grabados se realizan a láser, lacada en oro y acabada en mate.

TIEMPO de CALMA: DAY DREAM * ARCHIE SHEPP

Quizás la mejor tarjeta de presentación para este saxo tenor (y soprano) es la de haber sido invitado por el propio John Coltrane a la grabación de ‘A love Supreme’ ^(#1) en 1964 y en la grabación del no menos aclamado ‘Ascensión’ en 1965.

Archie Shepp fue un hombre comprometido hasta el final de su vida en la lucha por los derechos civiles para la raza afroamericana, fue un músico dotado de una gran calidad interpretativa y con inquietudes intelectuales, estudio leyes y arte dramático y se dedico a la docencia –Historía y Sociología del Jazz- y escribió obras teatrales. Sintió una fascinación por John Coltrane que le llevo a abandonar el clarinete por el saxo tenor en 1953. 


Archie Shepp fue otro músico genial ligado al jazz de vanguardia participo en trabajos con Cecil Taylor en 1969, Bill Dixon en 1965 y fundador de la Nueva York  Contemporary Five en 1965 y la Attica Blues Big Band tiempo más tarde,  formó parte de la Jazz Composer's Orchestra compartiendo espacio con Cecil Taylor, Sun Ra, Carla Bley, Paul Bley y Philly Joe Jones entre otros. Actualmente es uno de los pocos músicos en activo testigo y participe de la última época mas atractiva y creativa del jazz.

Archie Shepp

Philly Joe Jones

Cabe destacar la participación de uno de los baterías más importantes e influyentes del jazz, Philly Joe Jones que inicio su carrera en la banda de Ben Webster y que ha compartido escenario y estudio con los músicos más brillantes de la época, sin embargo fue su participación en la década de los cincuenta con el mítico quinteto de Miles Davis (John Coltrane, Red Garland y Paul Chambers) donde su aportación al jazz modal desarrollado en el quinteto tenia su origen en la concepción rítmica de Jones, nada más y nada menos si atendemos a la influencia del quinteto de Miles y las obras maestras que grabaron. "Philly Joe Jones en la historia de la batería fue un periodo el solo"

Walter Davies Jr.

Brillante pianista proveniente del Bop que a los 18 años ya había tocado con Charlie Parker, fue contratado por Dizzy Gillespie y fue el pianista de los Jazz Messengers de Art Blakey, trabajo con Sonny Rollins y con los Rolling Stones lo que deja claro la versatilidad de este músico que además, y como dato anecdótico fue sastre y estilista.

Participo en los arreglos para la banda sonora de la  película de Clint Eastwood,  'Bird' (1988) inspirada en la vida de Charlie Parker. Davies grabó discos en solitario lo que siempre implica todo un riesgo y un reto para cualquier pianista. Especial mención merece su actuación junto al quinteto de Donald Byrd el 22 de Octubre de 1958 en el teatro Olympia de París. Un interprete inventivo y enérgico.

Earl May

Earl May inició su carrera en 1949 en Nueva York donde llego a ser muy popular en la escena jazzíztica de la ciudad, compartió sesiones con el saxo tenor Lester Young en el Mintons Play House y fue el 'protegido' del gran Charles Mingus, en la década de los cincuenta formó parte del trio de Billy Taylor junto con Charlie Smith, pero lo abandono para formar su propio cuarteto Earl May bajo, David Glasser saxo alto, Larry Ham, piano y Eddie Locke batería. Earl May trabajó con Dizzy Gillespie, Coleman Hawkings, Tommy Flanagan, Miles Davis y John Coltrane con el que participo en la grabación del excelente álbum 'Lush Life' para la Prestige en 1958.

Tengo debilidad especialmente por los interpretes de free jazz cuando ponen el romanticismo en la punta de sus dedos y se abandonan a ese sentimiento, mantienen el lirismo propio pero con la expresividad del free jazz, es una furia contenida por así decirlo, donde las notas desgarradoras y chillonas se escapan en determinados lapsus. Day Dream es uno de esos discos. Hay blues, hay swing, hay una delicadeza en los solos de Shepp que acarician, un trabajo fundamentalmente emotivo que suscita nostalgia, a echar un vistazo atrás. Un disco de madrugada.

Si bien hay espacio para todo lo contrario y es que  el segundo tema del disco, Caravan, es todo una orgía para los sentidos, un derroche de energía y de creatividad de cada uno de los músicos en los que particularmente Philly Joe Jones se luce de una forma espectacular mano a mano con un sensacional Earl May al contrabajo y las intervenciones de Walter Davis Jr. al piano, imaginativas y originales. Sensacional.

DAY DREAM / ARCHIE SHEPP

01. Don't You Know I Care
02. Caravan
03. Day Dream

04. Satin Doll

05. I Got It Bad And That Ain't Good
06. Prelude To A Kiss

PERSONNEL: Archie Shepp (saxo tenor y soprano) Walter Davies Jr. (piano) Earl May (bajo)

Philly Joe Jones (batería)

Grabación: Nueva York, 3 de Junio de 1977

Sello: Denon YX7570, DC8547

^(#1) Participó en la segunda toma de 'A Love Supreme' junto al bajista Arthur Davies. Coltrane se decidió por la versión del cuarteto en vez del sexteto como la copia definitiva. No obstante en la edición especial de ‘A love Supreme’ puede escucharse la grabación para el sexteto entre otras versiones en directo, ambos discos para Impulse!.-